Virgil Abloh是一位特殊的“时装设计师”——之所以要为这个身份标签加上引号，是因为他的行事作风确实充满着各种争议性，也跳脱了常规时装设计师的各种标准与定义，让我们无法以一种更为单一的方式为他下达身份的定义。他最著名的3%理念是其在设计时的主要指导原则：只需要修改百分之三，就可以让某个东西看上去是“新”的。
非裔美国小说家James Baldwin
近几年来，Virgil大搞各种联名，以个人品牌Off－White为名的联名设计种类繁多，有时候甚至就这么给你来个突如其然的设计，但追捧者依然络绎不绝，从日常用品IKEA的地毯、Moet & Chandon 上“Do Not Drop”的香槟、Byredo的“Elevator Music”香氛系列、Dr. Martens靴子等，如果你以为他只能在这些小东西做做文章，那么可就大错特错，Mercedes Benz旗下的的G—class车款也跟他来了个跨界合作，总之，都没怎么脱离他修改3%的理念。
他将该最重要的“3％”核心光明正大地标注在“来自Virgil Abloh的创意词表”中的首要位置——这是一份随着他在Louis Vuitton推出的系列而不断更新的词表，里面注满了由A to Z的关键词，而每一个词语都与Virgil的成长、创意、设计的意义有关，如同是一场连绵不断的猜谜游戏，随着幕布的逐渐拉起，每次都只会露出一些只言片语的迷底，而最后你会凭着这些碎片拼装成Virgil的世界。
词表上，关乎Virgil在 Louis Vuitton 2021春夏系列中有着三个至关重要的、以A为首的词语：Afrocentrism(非洲中心主义) 、Afrofuturism(非洲未来主义) 、Afrosurrealism(非洲超现实主义) 。这些内容皆是以黑人身份为核心而衍生的关乎思想流派、科技、艺术的探讨——即Virgil关乎黑人身份和群体的母题下的各种衍生的讨论——这并不奇怪，对Virgil而言，他非常在意、也热衷将自己的黑人身份作为每每探讨的主要对象，这似乎已经成为了一种他选择表述的主要方式，就像是当代艺术那样，每一位艺术家都有自己所擅长、所强调的主题，Virgil的，多少都跟他的黑人身份有关系。
不过，也如同当代艺术充满了各种争议性和思维的拓展性，在Virgil带领下的 Louis Vuitton的男装世界，几乎成为了他在时尚体系下的一种以服装为呈现形式的艺术表达。他记忆、重建和保存黑人艺术史的抽象目录， 就像是在研究和教授欧洲艺术的方式一样。“我致力于在实际行动中记录和保存黑人典籍，并启发全球观众。” 他说道。
“人们被困在历史中，而历史也被困在历史中。”或许是为了致敬Baldwin，Virgil探究了陈旧的社会规范在集体心理中所植入的无意识偏见——这是我们从Virgil处得到的关于Louis Vuitton 2021秋冬男装系列的讯息。《村里的陌生人》中的这种外来种族者与当地主义者（Virgil将之描述为是“观光客 vs 纯粹主义者”的关系），建立在的是一种根深蒂固的历史成因下对有色人种的刻板印象，而这也是 Virgil所操刀的本季的灵感来源。有意思的是，在秀场笔记中，Virgil将“观光客 vs 纯粹主义者”用来比喻为“渴望进入某专业领域的圈外人，纯粹主义者则是占据这一领域的圈内人”，他意有所指地将自己比做“观光客”，将那些根植于传统时尚体系的圈内人视为了“纯粹主义者”，他试图以自己的方式在“破圈”，发出声音，就像当年的Baldwin一样。
所以，Virgil将原本存在于文学作品中的“抽象村庄”落地为秀场的空间，通过大理石的材质搭建成了一个更具有抽象代表意义的舞台，也分别于巴黎和瑞士山间的一处村庄举办。他邀来Kandis Williams、Tosh Basco、Saul Williams、Yasiin Bey、Black Cracker和Steven Sowah等众多艺术家作为这一整场的“舞台剧”的参演者，将他们作为自己讯息的字词句落的代表，用于呈现本季系列探讨的理念。
WSJ.
看完这场秀，你的整体观感如何？
陶冶：一开场这个黑白灰的调性，让我想象到冥想，我觉得它是开阔的，以一种戏剧性的张力，像一部电影的视觉感展开。
从头到尾看完，我觉得所有服装都变成了他创作的元素，而不仅仅是指向于服装，这些元素之间是交融的。
WSJ.
这场秀在传统走秀外还融入了丰富的肢体、戏剧、剪辑、场景设置、说唱等，其中哪一段表达最吸引到你？
陶冶：中间的部分，当所有人都开始流动，开始游走，在那一个瞬间出现了所有的人物，有音乐家也有舞者，有行为艺术也有装置，那个川流不息的画面，给我留下了一段瞬间和永恒的对话，感觉所有的事物都成为了微尘。
还有那个黑人走进空间，那一刹那有一个人躺在地面，他用一个行为交代了一种有想象力的语境。这个片子融合了装置、色彩、服装、舞蹈、戏剧、行为，当然还有不同的音乐方式，像是一个视听的盛宴，但我觉得比较好的是它并没有去定义什么，整个创作让所有元素成为了元素本身，而不是成为主体。如果把它说成一个秀的话其实是在定义，我觉得反而违背了他做这件事情的初衷，他其实是要一次开放性展开的对话，而不是指向性的对话。
WSJ.
在你过往的经历中，跨界合作是如何丰富艺术表达的？
陶冶：我自己认为，艺术最大的魅力就是要破掉所有的界限，因为我们每个人作为独立的个体，其实就代表你的有限，但艺术就是让这些有限，可以通过艺术的对话，破掉彼此的边界，看到不同和可能性。跨界这件事，谁都没有能力跨来跨去，因为个人的时间和精力有限，但是艺术的宗旨是让所有界限消失，让我们的思想、我们的感知力流通起来。
音乐剧导演、演员
WSJ.
看完这场秀，你的整体观感如何？
刘令飞：它给我内心带来的触动从开头就开始了。它给我一种“疏离”感、“陌生”感。而这种感受是天然产生的，它产生的时候我还未了解整个秀的灵感来源于“ Stranger in the Village”。它与很多秀的人造美好不同，它大胆地呈现了世界与关系的一种切面。
WSJ.
哪一处细节、哪一段表达最吸引到你？
刘令飞：最吸引我的来自于“箱子”的传递。人的变化和状态总是“个人性”的，但是物品的形状不是的。物品本身的形状相对稳定，它更像一个“观察者”，似乎属于你，但又不完全属于你。物品其实也是一个stranger。
WSJ.
这场秀在传统走秀之外还融入了丰富的肢体、戏剧、场景设置，还有演唱，你对哪个元素的感受最强烈？
刘令飞：那些绿色的像岩石一样的装置，绿色打破了白与灰，但在这场秀里并没有让人感受到绿色本身拥有的生机勃勃，而是给了这种疏离感更强烈的加分。这个元素绝对是好看的，令人内心震撼的，我想这就是艺术本身的多元和不确定性带来的美。
WSJ.
在你过往的经历中，跨界合作是如何丰富艺术表达的？
刘令飞：如果涉及到“跨界合作”，那么我会率先把“跨界”这两个字忘掉，我觉得艺术分成不同的“界”当然没问题，但是“美”却是共通的，不会被界限阻隔的。那么我会找到不同领域里最美的部分，去做美与美的组合。
WSJ.
看完这场秀，你的整体观感如何？
小珂：自然～人～意识～信仰～大地的疗愈绿色～金属的盒子～水晶的链接～欲望～独白。
看到强烈的孤独，平行宇宙，一种日常与意识精神的交错，愤怒在累积中释放。
生活由无数无意义的意义组成一个自我觉醒的意识阀门。
时间的理解，凝固，时间的隧道，对于时间感知的微观放大，暗含意识的开启。
那个一直躺着的男人，一场梦还是一场宿醉。
无数空间的穿梭，象征死亡与永恒的雕像，是人类对于象征意义的崇拜。
所有时尚的外观在人性的反思中显得突兀，而身为人，需要这种自我救赎般的设置，从而进入内心与自然，非物质的想象连接，生成某种自圆其说的价值，把这种价值附在肉身之上，带来一种自我与现实环境的交流或是融合。
治愈绿，夹杂着淡淡的紫，明确的黄，橙，红，宇宙之光被我们瞬间捕捉，占为己有成为安慰剂，带着对大地的向往，在彼此的自我世界间行走，穿越，相遇，漠然，再遭遇，再行走，再停留。孤独的课题是一个男人终生面对的财富。
明白与不明白，我们不都得行走在自我的江湖吗？
人类的累积智慧与产出是开启未来灵性反思的案例教材，困顿其中将终于迷宫的无限循环中。人对神，塑像的迷恋在萨满的仪式中，或许得以一种释放。
WSJ.
这场秀在传统走秀外还融入了丰富的肢体、戏剧、剪辑、场景设置、说唱等，其中哪一段表达最吸引到你？
小珂：没有特别哪段，我主要跟随片子的创作者，去体会他的表达，每个创作者都有特别强烈与明确的表达，好的艺术表达，是把真正的表达隐藏在外观之下的一种强烈隐喻。这个片子，我看到了。
WSJ.
在你过往的经历中，跨界合作是如何丰富艺术表达的？
小珂：艺术是相通的，不被外在形式所捆绑，所以也不存在所谓的跨界。语言，手法，信手拈来，都为内核工作。好的创作是知道什么手法适合，什么方式更深入表达的，而这一切都是为了打开观者的感知，去寻找体悟形式外观包裹着的内部真正表达，一个成立的艺术手法，往往可以打开身心灵的通道，让观者自我寻找意义。
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