今早得知，美国传奇弦乐四重奏组，Emerson四重奏宣布解散。该组合常被翻译为“埃默森四重奏”，但更准确的译法，是爱默生四重奏。当初，几位演奏家以美国思想家、文学家爱默生（Ralph Waldo Emerson，林肯称他为“美国文明之父”）的名字为自己的组合命名。
DG的大黄标，油画质感的照片，这样的封面是该组合黄金时期的掠影
如今，该组合宣布在2023年预定的演出结束后，将告别舞台，他们的教学机构“爱默生弦乐四重奏研究所”仍将继续。爱默生四重奏最初由茱莉亚音乐学院的学生组成，1976年成为职业组合。之后，他们用了20年的时间，树立起美国室内乐演奏一面新的旗帜，而且并不夸张地说，也是开启了一个新的时代。
爱默生四重奏的演奏风格，或许是有争议的。但正如其他某些划时代组合，或个体演奏家那样，你可以喜欢，可以不喜欢，却注定不能忽视他们展现的东西。虽然几位演奏家带来了很多“新的”风格，该组合艺术的核心，却在于“继往开来”。这方面，爱默生四重奏在其黄金时期的风头，可谓一时无二。
他们对于传统演奏风格的继承，首先在于音响，之后则是整体处理的一种框架。正如长期在该组合中演奏的大提琴家芬克（David Finckel）所说，他们四人，都成长于一个以海菲兹的音响作为审美标准的年代。
海菲兹对于美国乐坛的影响，确实远远超过小提琴的范围，我们通过不少音乐家的回忆，都能明白这一点。而他在音响方面所代表的，是一种现代化的、细节精致而色调华丽的美声。
换言之，偏干的朴素发音，或音准稍稍漂移的声部组合（四重奏的音准是四把琴最终组合在一起时决定的），都不存在于这样的音响世界中。爱默生四重奏的音色华丽，但也略带金属声，他们将其融为一种多面性的音响。与之相比，前辈的茱莉亚四重奏或瓜内里四重奏的声音观念，都更加温暖，也更为欧化（不过，后来的茱莉亚四重奏是另一概念，在此不讨论）。
也许同样受到海菲兹影响之处，就是爱默生四重奏成为不折不扣的超技团体。
他们演奏技巧犀利非常，甚至有人认为，该组合在这方面就直接划分了四重奏演绎的新时代。技巧的锐度与注重感官美，又不失刺激性的音响构思叠加，所呈现的常常是一种“高能的折中”。爱默生四重奏的演绎从不拖泥带水，线条流利，结构紧凑，很多老派的四重奏在Rubato的配合之间“玩音乐”的悠然趣味，他们如果有的话，也是点到即止。
另一方面，受到本真思维影响的处理方式，及当代越来越走向夸张的“个性化”，爱默生四重奏也对其持有明显的怀疑。然而，该组合的现代与......前卫是难有其他四重奏团可以相比。
他们采用两位小提琴家互换的方式，由德鲁克（Eugene Drucker）与赛泽尔（Philip Setzer）交替演奏一提和二提。关于一提和二提，彼此的分工，以及独特的心理层面的很多东西，也是四重奏历史的核心了。之前也有交换演奏的情况，但真正由一个代表性的组合将这种互换常态化，爱默生四重奏或许是走出了20世纪最关键的一步。
很多人热爱他们演绎肖斯塔科维奇与巴托克四重奏的录音，这些作品正是这个超技组合的胜场。但几位演奏家是否深刻地切入了老肖的内在世界，也有一些争议。
在贝多芬的世界，表现《a小调四重奏》Op. 132这样最为深刻，篇幅宽宏之作，爱默生四重奏会通过结构的张力，及素材发展的动力性等等，呈现他们的高能观点。而与此同时，他们也是由这种高能，及声部结构的高度聚焦，补足人们通常对于贝多芬晚期四重奏演绎之深刻性的期待。
刻画莫扎特的音乐，爱默生四重奏的结构张力显得恰如其分，丝毫不会干扰原作的精美性，却又呈现出相当生动有力的莫扎特。用芬克的话说，演绎莫扎特的困难，在于那种结构的透明度，有时几乎让他感觉自己的坐姿不对，都会影响其干净似的。然而，他们表现莫扎特，恰恰是以线条明晰配合充分的自发性让人陶醉。
在我的印象中，爱默生四重奏灌录莫扎特“海顿四重奏”的第一首，K. 387的末乐章是该组合最富有幽默趣味的演奏。作曲家在此融入意大利谐歌剧的精神，几位演奏者将其勾画得活灵活现。
这款莫扎特三首《普鲁士四重奏》是芬克在爱默生最后的录音之一
对于爱默生四重奏的舞台生活而言，芬克在2013年离开是一个标志性事件。与此同时，这个以超技名世的组合，也渐渐显出他们未必能一以贯之地维持其技巧风格了。
当几位演奏家自己感到应该结束，并且也能决定结束的时候，一切都很好。这个组合已经在美国的弦乐演奏史，乃至20世纪下半叶的弦乐四重奏历史中，都留下浓墨重彩的一笔。后辈同行与爱乐者们当会铭记。
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