我们对摄影后期的态度是混乱的。有人觉得，没有经过后期处理或者说“直出”的照片，是更“纯粹”或“真实”的；同时又有人觉得，每一个摄影题材都有一种固定的风格；还有人单纯因为自己的照片达不到某种look就盲目地更换设备。

这些摄影的“坑”，我们大多数人都或多或少会遇到过。为了让新人少踩坑，我希望将自己关于后期的一些想法和心得整理为笔记。在这一篇里，我想聊一聊关于后期的想法。

我是一个普通摄影爱好者，自己拍了很多年，非专业人士，也没能从摄影中赚过一分钱。估计跟在机组“📷我的摄影作品”中投稿的各位差不多，就是一个喜欢观察、喜欢拍照的人。这些笔记主要面向对摄影后期比较没有概念，或着无从下手的朋友们。

因为我自己是使用Adobe Lightroom CC（后面统一简称为Lr），所以后续笔记涉及的内容会基于Lr。但文章的重点会放在后期处理中各种操作的原理、思路和技巧，而不是具体软件的使用教程。后期软件的功能大同小异，初学者没必要太在意软件选择。像是macOS自带的Photos，我认为也已经十分够用。

机组中不乏摄影大牛，如果你已经有自己的风格、成熟的后期流程的话，那这篇文章估计让你见笑了。而对于这些笔记中说得不对、不好的地方，还请多多包涵。

macOS Photos的编辑界面

为什么后期很重要

首先，摄影后期就是对相机拍摄的原始照片进行编辑，一般包括裁切、曝光矫正、调色等操作。我个人会将选片也视为后期的一部分，而且是比较重要的一部分。那么为什么要做后期呢？

最简单地来说，我认为原始照片要经过妥善编辑后，才是完整的摄影作品。我知道这个说法看起来有些攻击性，但我希望你能听听我的解释。我所理解的作品，首先它必须有一个创作的想法和过程。随手拍式的照片可以是有趣的、有价值的，但它缺少了一点创作的刻意。

照片作为一个已经由机器深度参与自动完成的媒介，要体现摄影师的主观创作，无非就是前期和后期两部分。前期是个大课题，我自认为还没有能力讲好。另外，在摄影器材极大地普及、性能极大地提升的当下，我们在非商业摄影环境中必须关注的前期技术其实是越来越少的。而后期则是可以让摄影师完全掌控的创作部分。

对于我个人而言，后期不单是一个补救或提升画面的手段。我同时会反问自己究竟想拍的是什么，想表达的是什么。因此，正如上文提到的，选片也是重要的后期。选片不仅仅是检查对焦、曝光等技术问题。摄影作品的叙事意图也直接决定了选片的标准。

对照片而言，纯粹或真实的标准其实很难界定。摄影师通过镜头选取了某时某地的某一个角度和焦距，这一行为本身就是一种偏见。而技术上，从传感器上读出的0和1，到我们能看到的画面，这一过程中每一步都包含了对原始信号的一次“理解”。这个从数字信号到最终图片的过程本身也是一种技术偏见。即使是胶卷的化学过程也是类似的。这也是所谓的相机品牌间的“色彩科学”差异。

同时，受制于人眼和机器的成像原理的不同，原始照片也往往与人眼直接观察的结果有不少的差异。哪怕是胶卷，暗房技术带给摄影师的自由度并不比数码低多少，只是更麻烦罢了。

回到最初提到的几个问题：在这个连新闻都加滤镜的时代，纯粹或真实其实是一个无法执行的标准。得益于视频的普及，摄影，如同之前的绘画，早已从记录客观世界的牢笼里被解放出来了。摄影作品，就应该是服务于摄影师的表达需求的。因此也不存在题材和风格挂钩的限制。而我们看到的很多照片的look，本来就不单单是相机的产出，而是摄影师通过后期创作的。

一个不太恰当的类比：直出的照片就像是料理包，高级一些的就是现炒的外卖。拍raw格式套预设/滤镜就是用现成的调料包做饭。自己后期就是自己下厨自己调味。如果某家店的饭菜很合你的口味，那当然省时省力。但自己做饭永远是自由度最大的选项。

顺带一提，题图是一幅照片的原图、某个滤镜和我自己后期的对比。

什么样的后期是好的

如前所述，摄影作品作为一种艺术创作，其实已经不再被记录客观世界的要求所束缚。那自然而然地，摄影后期也不存在一个必须要达到的僵化的目标。在后期中，我们追求的是让作品能最大化地传达其主旨。这种最大化的手段可能是非常具体的，例如人像摄影中的磨皮、风光摄影中的HDR合成。同时也可能是比较微妙的，例如通过白平衡去改变照片的情绪。

以上是正确但不太有操作性的答案。作为初学者的话，最好还是先追求把画面拍好看了。我知道大家都有一颗骚动的艺术的心，想要深刻题材、人文关怀，希望自己能向Nan Goldin、Bruce Gilden等大师靠拢。

但个人认为先把基础打牢还是非常重要的。当然这里的好看不限题材，可以是风光大片，可以是人像，也可以是抽象作品。这是一个纯粹的，关于学习路径的建议。而不是对新锐作品有意见。

首先，技术向的教程大多以提升画面美感为目的，传统意义上美的照片也仍然是大众对摄影消费的主要方向。在学习阶段以此为目标，起码保证了学习资料和参考作品的丰富。

而且，很多先锋作品之所以先锋，是因为它们打破了固有范式。如果自己还不能拍好传统的片子，不了解范式是怎么样的，那么“打破范式”就无从谈起。如今，后现代主义都已年过半百。走艺术路线，是需要丰富的审美和艺术史基础来支撑的。

其次，对初学者来说，糖水片真的不是一个贬义词。糖水片只是在题材和叙事上有所欠缺、没有记忆点。一张照片够得上糖水，那起码说明它在技术上没什么致命问题，同时能吸引眼球。总的来说，把画面拍美是一个比较清晰直观的、同时对前后期技术都有要求的一个目标。我们在学习、打基础的过程中，自然而然就能开始发展自己的风格，向自己的审美趣味去靠拢。

最后，我想说美学是共通的、不受媒介限制的。我们除了从别的摄影作品中学习，还完全可以从游戏、绘画、动画、电影等作品中去吸取灵感。很多时候，分析别的作品的画面，远比我们自己闷头去拍的收获要大。这些积累都是我们的灵感库。而且这还能帮助我们快速建立一个比较全面且广泛适用的美学基础。

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