万字干货分析：华晨宇究竟是音乐天才，还是被捧上神坛的骗子？
2021-09-13 星期一
这半年来，有关于华晨宇的争议无时无刻出现在我的眼前。粉丝觉得他是一个先锋艺术家，他是电他是光，是唯一的神话，是上帝派来拯救人类的未来之星。想当他的歌迷，不应该考虑"喜不喜欢"，而要考虑“配不配得上”。有粉丝甚至做了一张关于华晨宇的音乐思维导图，明列出了华晨宇所涉猎的音乐风格与对应曲目。其知识体系的完善程度，称一句“华学家”也毫不过分。
虽然这张思维导图对于音乐的理解只能用浅薄二字来形容，虽然有的风格甚至与歌曲根本对不上号。
但纵观音乐史，也从未有谁获得过这样的评价，享受过这样的待遇。最广为人知的便是这条“华晨宇唱歌四步曲”文案，以这条文案为主，网络上也衍生了无数对华晨宇音乐上的质疑与讥讽。著名的灾难级车祸现场《Love Song》也时不时被拿出来说话。在这场演出里，华晨宇选中了他最不该选的音乐风格，挑中了最不应该和他同台的嘉宾。在方大同的对比下，华晨宇的短板与缺点就像被拿到了放大镜下，一览无遗。“音准不好、唱歌漏气、没有胸腔共鸣、律动差、只会拖长音、咬字粘腻、不用咽音就唱不上高音。”联想到华晨宇刚在去年拿到了歌王的称号，所以愈来愈多人开始质疑他的水平，认为他只会鬼叫，盲目炫技高音。「舞台触电图」这些迷惑表演也在各个有关华晨宇的话题中频频出现，以那首争议极大的《癌》为起点，路人们对这位粉丝们自封的伪神展开了讨伐。他究竟是粉丝口中所说的神仙天才，还是黑粉口中的皇帝新衣？
从出道到现在8年的时间里，华晨宇发表了一共四张录音室专辑，在这8年里，华晨宇的编曲、作词，大部分时候都不是他自己。甚至直到第四张专辑时，他才包揽了整张专辑的作曲，但他依然还是需要依赖郑楠老师的制作与编曲。郑楠有多强？这么说吧，华晨宇的第一张专辑的第一首歌《Why Nobody Fights》只有一句歌词、三句旋律，但在郑楠的操盘下，变成了一首的四分钟的大歌，足见其制作功底。并且他曾为林宥嘉、梁静茹、S.H.E.创作过无数好歌，代表作无数。
所以在本篇文章，我们将只对华晨宇“自己”的「创作能力」进行分析，以正视听。
简单来说，这篇文章的目的就是把郑楠抛开，看一看华晨宇究竟还剩下什么。我只希望这篇文章结束之后，大家能明白：不要盲目去吹捧信奉一个人，也不要过分去否定贬低。旋律小调的运用
在华晨宇的作品里，除了自然大小调之外，其实还有许多特殊调式的运用。出自首张专辑《卡西莫多的礼物》的同名单曲便采用的是旋律小调进行创作。流行音乐中的小调歌曲多数采用的是自然小调，而旋律小调上行则将原本的fa和sol升高半音，下行时再将这两个音还原。我们非常熟悉的俄罗斯金曲《莫斯科郊外的晚上》在上行时的「夜色」二字就使用了升fa和升sol，下行时的「在这」将其还原，充分体现了旋律小调的特征。《卡西莫多的礼物》也用到了这两个旋律小调的特征音。主歌的前半段还处在普通的自然小调中，但后半段就进入了旋律小调的领域：上行C#、D#，还原D、C。旋律小调的运用为这首歌增添了古典的色彩，配合着编曲，颇有中世纪教堂的味道。
旋律小调在流行音乐里用的是相对较少的，从这一点来说，这种创作方式是有些想法的。在这句「钟楼外他的歌声」里，上升的C#和D#马上被还原，实在是太快了。这就导致这句歌词里有太多的小二度音程出现，B和C、C和C#、C#和D、D和D#、D#和E……这样的处理注定了这不会是一句太悦耳的旋律。我们熟悉的披头士发表于1965年的经典名曲《Yesterday》也是一首运用了旋律小调的作品，由贝斯手Paul McCartney创作与主唱，旋律十分优美。在「all my troubles seemed so far away」这句歌曲里，有了旋律小调上行的运用，并且在这一句结束之后，到了下一句才把升fa和升sol还原。旋律先上后下，也没有那么多会对人耳产生纠葛的音程，听感是非常流畅。相比之下，《卡西莫多的礼物》在旋律的处理上就非常初级了，更像是一首刚刚知道了旋律小调概念的人创作的习作。同时，歌曲的律动也非常死板：几乎每一句旋律都从重拍起，并且所有的音符都以四分音符跟八分音符为主，节奏规整到有些无趣的地步。并不是复杂的和声都需要牺牲出色的律动。裘德的《颁奖的时候我要缺席》在「结局别太意外让我受宠若惊」这句歌词里同样使用了旋律小调上行的音阶，但旋律却用附点音符构建，有了极强的律动感。
而这首歌除了旋律小调之外还使用了和声小调、大小调互换等技巧，比《卡西莫多的礼物》要复杂得多。即便如此，这首歌还是有着丰富的律动，裘德也凭着这张专辑入围金曲奖最佳国语男歌手。不过这一问题在华晨宇后续的作品中有所改进，比如《寒鸦少年》中出现的切分节奏，还是有着很强的律动感。但《寒鸦少年》恰恰就是一首和声较为简单的作品。在第一张专辑中，华晨宇的创作集中在对旋律的演绎上，到了第二张专辑，华晨宇开始尝试以Rap的主歌结合极具煽动性的副歌。这在一段时间里说唱+飙高音成了他的标签，虽然初听还不错，但听多了就产生了审美疲劳，给人造成了套路的印象。这首歌是华晨宇较早尝试说唱的歌曲之一，由嘻哈团体南征北战的醉人操刀歌词，在词作的技巧性上还是颇有保障。我们可以细品这首歌的歌词，抛开主题，就会发现歌词的韵律感是很强的。而这首歌的前奏是以合成器的单音旋律为主，同时在后面也加入了电吉他失真与摇滚的强节奏。配器和编曲，总给人一种照搬了Linkin Park的味道。副歌中出现的「哦哎哦」和主唱的旋律产生了互动感，这也是华晨宇这一时期的特点之一。同样收录了第二张专辑的《我管你》有着更鲜明的特点，运用了Call & Response的方式。这是一个颇具煽动力、让气氛趋向热血的方法，而操作起来又很简单。这在现场尤其占优势，能让歌手与观众有强烈的互动感，很轻松地就能调动气氛。
由于华晨宇本身并不是一个说唱歌手，对歌词的把控能力没有特别突出。例如，「如果你不喜欢听我的歌请闭上耳朵」这一句在中间的「不」字产生了重音，而下一句，「接下来要大开杀戒穿透你的耳膜」重音落在了「要」上面，尽管这两个字都在句中，但都做了重音，而它们又是不押韵的。以刚刚得过金曲歌王的嘻哈歌手蛋堡的《关于小熊》举例，「在热闹的垦丁街用飞镖射到的」这一句歌词里，就出现了两个重音，对应的字「热」和「射」既押韵，也有着同样的音调，这样的Flow简单，但很好听。但不管怎么说这首歌的说唱整体来说还是过得去的。在他的另一首歌《斗牛》里，Flow的问题才更加明显。这首歌说唱部分音符非常密集，但依然是趋向比较规整的律动。律动的死板在嘻哈音乐里是犹为致命的，给人的感觉更像数来宝，甚至喊麦。并且说唱的部分一直维持在这种高速的状态，变化太少。在周杰伦的《以父之名》里，有一段字数非常多的演唱段落，但是也出现大量的切分节奏，还有一些停顿的卡点，音符时值的变化也非常多。而很多歌词开头的地方也都不是从强拍起，律动感非常棒。并且要知道的是，《以父之名》并非全程都是这样的段落，而是有张有弛，给了歌曲很大的空间感。在《异类》里，基本上所有的重音音调还是一致的，而《斗牛》则没有做到很好的统一。主歌的韵脚是的「ui」和「ei」，但前几句的「嘿」、「队」、「谓」、「褪」都是四声，而到了「美」则变成了三声，后面的「杯」、「碑」又变成了一声。在不改变音调的情况下，重音是非常不一致的，听起来更像念出来的，而不是唱出来的。到了后面的歌词，又有了和《异类》一样的问题：「攻克下沙场丰碑」中，华晨宇唱的重音集中在了「场」上，但这个字处在句子的中间，韵脚和音调都和之前的不统一，而填词人作为韵脚的「碑」却出现在句尾。再下一句结尾的「贵」又收的太快，甚至整句就这么滑过去了，只为了突出下面的旋律，让人感觉没有重点。从说唱的部分可以看出来，由于Rap词不是华晨宇本人写的，很多歌词和他的Flow贴合度是不够好的，而他对这一点没有太重视。这使得更多的时候，说唱的部分成了歌曲本体的附庸，只是为了燃、炸、酷炫的舞台效果。Dorian调式和自然小调的区别，就是将fa变成升fa。青海民歌《在那遥远的地方》就是一首Dorian调式的歌曲，升fa使得这首歌有着别样的异域色彩。实际上，这首歌是由哈萨克民歌、藏族民歌和维吾尔族民歌改编而来。在第一张专辑中，华晨宇写了三首作品，其中《Let You Go》就使用了C# Dorian，用同音反复的方式强调了升fa这一特征音。在这首歌里，这个音符基本都出现在四级和弦F#下，这也是Dorian较为常见的用法。出自华晨宇上一张专辑《新世界》的《降临》也是一首使用了Dorian调式的小调歌曲。华晨宇将这首歌解读为雅乐调式，即由宫（do）、商（re）、角（mi）、变徵（#fa）、徵（sol）、羽（la）、变宫（xi）组成，这和Dorian调式的音阶也是一样的。这使得G和弦变得更像一个Gsus4和弦，在G和弦前面的两个和弦也是挂四和弦，这使得和声有了更丰富的色彩。Esus4、Esus4/F#、G三个和弦的根音E、F#、G正是Dorian音阶的前三个音符，构建出一个上行的根音旋律。变徵音反复出现，配合着大量模糊大小调色彩的挂留和弦，塑造了这首歌的独特氛围。在华晨宇的作品里这首的旋律算是写得不错的，也蛮有一种肃穆的感觉。但这首歌的旋律主要运用级进和跳进的方式，相对来说还是比较简单。前卫摇滚名团Pink Floyd发表于1973年的《Breathe》同样也是一首运用了E Dorian调式的歌曲，主歌仅仅在一级和四级和弦之间跳变，但在旋律上运用了蛮多的巧思。开头的「Breathe」就是一个下行级进，接下来的「breathe in」就用了同音反复，「in」和「the」之间则是一个跳进的关系。而「air」和「Breathe」则产生了一个模进的关系，并且「air」落在了#fa上，强调了Dorian的特征。尽管这句旋律很短，但是技巧很丰富，并且还有着出色的律动，音乐的层次感很突出。调式互换也是许多创作人很喜欢使用的创作技巧，其中最常用的是整段的平行大小调互换，大调与小调有着迥然不同的色彩，色彩之间的变化也让歌曲变得更加特别。比如在周杰伦的《她的睫毛》中，开始时是Am小调，到了副歌时就变成了A大调。华晨宇的《斗牛》在副歌也使用了平行大小调互换的技巧。但与《她的睫毛》不同，并没有整段代换掉，而是进行了更加快速的变化。这是一首Ebm小调的歌曲，但是在副歌的时候第一个和弦使用了Eb，由Ebm小调转到了Eb大调；但接下来的B和Db和弦则又回到了小调上，最后的Eb和弦又落到了大调上。大小调的转换使得副歌的色彩更加纠结，也更加充满疑问。只有「粹」字是是附点音符，只有「或」字不是从强拍起，副歌依然是所有的音符都落在四分音符和八分音符上。华晨宇的另一首歌《七重人格》则运用了更加复杂的转调技巧，这是一首D大调开头的作品，也被粉丝称为“七皇”，而粉丝在描述这首歌时也经常把他形容为“花天帝”。哇哦……实在是令人印象深刻的评价，那么这首歌究竟怎么样呢？随着华晨宇用人声模仿哨笛吹奏的演唱结束之后，歌曲进入了较为安静的段落。在步入寂静之前，和声落在了D大调的五级A和弦上，并且在很长一段时间里，乐器的演奏都避开了三音，都只有根音和五音，大小调的界限开始被模糊。随着木吉他的响起，歌曲转到D大调的关系小调Bm上，这两个调式的音阶是相同的。然而，开头的B和弦却是一个大调和弦，这里又出现了平行大小调的转换。接下来，在唱到「都」的时候，又出现了调外和弦C，如果这里不采用离调的手法，出现的应该是是自然小调上的二级和弦C#dim，也可以看成D大调上的七级；华晨宇就将这个大调上不和谐的七级换成了Mixolydian调式上的七级和弦C。再接下来，跟在C和弦后面的F#是D大调的三级，但这里使用的是离调的大三和弦代替了调内的小三和弦。这里则是将和声小调上的五级和弦E代替了自然小调的五级Em。但律动的问题再次出现，尽管不是每句旋律都从重拍起，但每句的开始和结束也都落在强拍上，除了「漆」字落在弱拍上。这样的处理不坏，和声不落俗套，但旋律整体的感觉比较散，跟着和声走，中规中矩，也谈不上出彩。华晨宇敢于挑战这样有一定门槛的写作形式，是值得鼓励的。但放眼音乐圈，采用多次调式互换的优秀作曲人如同过江之鲫。如果说这就可以被称作“七皇”的话，那么椎名林檎的《人生处处是美梦》应该被称为“人皇”，苏打绿的《未了》应该被称为“未皇”，Queen的《波西米亚狂想曲》应该被称为“波皇”。以苏打绿发表于2015年的《未了》为例，不光使用这个技巧了，并且用的还更复杂、更好。这是一首G#m小调开始的作品，主歌的G#m到C#，正是Dorian调式的一级跟四级；降下来的F回到了自然小调，D#又变成了和声小调。在短短的两句歌词里，就运用了三个调式。同时，在偏复杂的和声进行里，歌曲的律动也毫不死板，每一句都是空了半拍后旋律才开始流动，并且出现了大量的附点音符和切分节奏。而在接下来吴青峰哼唱的段落，调式再一次变了，变成了旋律小调，一句唱完之后下一句还原，并且还原的时候用的是大调的C#和弦，调式又变成Dorian，再到大调的G#和弦，由小调变成了大调。而律动上继续沿袭主歌的做法，有大量的切分和附点节奏。这次和声进行变成了G#到F#，先用大调换了小调，再把调式换到了Mixolydian，持续了三个回合，最后一个回合的和声变成了C#m到D#，又把调式换到和声小调上。并且副歌的律动更有意思了，看似十分规整，但其实做了一小点的调整。你会发现，大多数的音符都没有落在正拍上，尤其是二三两句正好跟正拍岔开半拍。前三句其实旋律线是很类似的，但律动做出了区别，一下子就有意思很多。到了后面有一段Pre-Chorus，直接转了调，从G#大调转到C大调。但是这里又用到了D#这个和弦，这是副歌的最后一个和弦，用在这里更能加重转调的感觉。然后在最后，旋律随着D#、E、F#以类似模进的方式爬升，最后再回到D#，和副歌再次顺畅地连接。可以看出来，这首歌运用了Dorian、旋律小调、和声小调、Mixolydian、大小调互换跟转调的技巧，并且在复杂的和声里依然做到了律动的出色，旋律也有丰富的色彩，就让人觉得很好听。不过《七重人格》在前面和声没有那么复杂的段落，律动还是做得有亮点的。在随着突然涌入的电吉他唱出「Shut Up」之后，乐器在六级和五级和弦的交替中不断重复着三连音的演奏，而人声的线条则相对规整地游走。在人声模仿笛子的段落之后，加入了一些念白，演唱也开始使用了三连音，更偏向带有旋律的说唱，这里的律动感还是不错的，和编曲也有蛮高的呼应度。在说唱的段落结束之后，进入了副歌，鼓组也变成shuffle的节奏。可以说是之前一连串的三连音慢慢往上推，让编曲的进行变得非常合理。而这首歌最大的问题出在结构的平衡上。《七重人格》没有太多重复的段落，每个段落的亮点有限，导致了记忆点的欠缺。尽管有些部分的旋律差强人意，但是华晨宇最终没有选择回到好听的旋律上，而是大玩人声实验，诠释他的表演艺术；旋律的表达被弱化，演唱更贴近癫狂的状态，但反而这段令人难以接受的演绎成为了人们讨论的焦点，音乐性丰富的地方没有更好地被展开。同时，华晨宇的音乐也一直有摇滚元素，但最终的做法仍然是偏向流行音乐的做法：人声驱动。《七重人格》的结尾，其实有很长有器乐可以发挥的空间，但华晨宇还是选择让人声成为主角。这最终导致了，歌曲的表达无法撑起歌词与主题的概念。比如Queen的《Bohemian Rhapsody》、Radiohead的《Paranoid Android》都有着非常规、重复少的流行音乐结构，并且也是时长差不多的歌曲，但歌曲依然充满记忆点。相较之下，《七重人格》更像是展示了华晨宇对于前卫摇滚华丽结构的模仿，有种「这个我也会」的感觉。华晨宇的粉丝经常把他夸张的人声表演鼓吹为人声实验，其实也不能怪粉丝，因为他自己的文案里就打上了「人声实验」几个大字。其中以2015年发表的无字歌《癌》最为甚，单曲文案中直接声称这首歌是打破常规演唱方式的人声实验作品，更号称「为萎靡音乐时代创新曲风」。但整首歌的形式，从编曲到演唱上，都算不得有什么「实验」色彩，也算不得创新曲风。其实整首歌就用了两个和弦，但这两个和弦包含了极其不协和的音程，也就造成了不舒服的听感。这种不舒服的感觉，主要的功劳是来自这首歌的和声进行，其次才是他的唱。这种形式屡见不鲜，Pink Floyd发表于1973年的《The Great Gig In The Sky》也是这样一首作品，由歌手Clare Torry在乐队的演奏中随意地即兴演唱。所以这完全谈不上什么创新曲风。有不少人形容华晨宇在这首歌里使用了「烈马音」，但所谓的「烈马音」也并不是华晨宇首创，最早流行是因为一位菲律宾的歌手Big Mouth使用了这种模仿马叫的演唱方式，中国歌手王晗旭也曾模仿过这位菲律宾歌手的唱法。歌唱家Sainkho Namtchylak的《Lost Rivers》想必大家都不会陌生，这首歌与其所在专辑的其他曲目都是人声实验音乐。她的目的不在于表现乐曲，而是用各种可能的方式探索人对声音的控制所能达到何处地步，是在做纯粹的实验。相比之下，这首《癌》有着明确的旋律线，只是一首使用不协和音程和罕见唱法完成的乐曲，离人声实验还差得远。他没有去创造一种新的形式，也没有在旧的形式里取得新的突破。其实在《癌》发表的时候，耳帝就在微博评价过这首歌，他也不认为这是一首实验音乐，更像是Dark Ambient、Trip-hop体系下的尝试。实验音乐确实难听，但不是难听的音乐都能叫实验音乐——这个门槛太高了。当然，他通过这样一首歌曲表达了自己对癌症的理解，自然没有什么问题，而歌曲的不舒适、不好听也跟他的理解是对的上的。然而《癌》这个标题过分拔高了这首歌的意涵，让整首作品略显空洞。如果这首歌不叫《癌》，叫《Track 1》，单独听这首音乐，听众能否能感知到这首歌的主题是癌？这里我认为要打上一个问号，尽管《Lost Rivers》在大众的层面褒贬不一，但是大家都能明白她是在做实验，这就是二者之间最大的差别。实际上这也是华晨宇许多歌曲的弊病之一：靠宏大叙事强行升华主题，音乐的内容却承载不起这庞大的主题。《神树》、《降临》这样的作品尚可，虽然形式还是盖过内容，但勉强算是立得住。而《斗牛》、《七重人格》这样的歌，音乐则完全承载不了想要表达的主题，甚至词作也没有那么好。到了《癌》这样的作品，没有了歌词、只有主题，反而放大了这个毛病。在一首声乐作品里，应该是音乐成为主角、歌词成为配角，而对于华晨宇的很多作品，这个却是反过来的，他对于歌词、主题的掌控与理解不是很到位。至少一首歌的质量如何，不应该通过粉丝根据网络小说文风写800字的小作文来体现。比如，香港歌手麦浚龙完全不参与歌曲创作，但是他对他的作品的掌控力很到位，如同导演一样（他确实也是一名电影导演），歌词、旋律、编曲都要做成什么样，他是非常清楚的。这些出格的创作与表演模式成了华晨宇饱受争议的一大原因，虽然他也会创作一些大众可以接受的曲子。比如《好像爱这个世界啊》是华晨宇创作的一首抒情歌曲，整首歌都是4561的进行，听上去也比较舒服。
这首歌的编曲由郑楠和华晨宇共同完成，电吉他前奏用到了Reverse Delay这样的效果。Delay效果的本质就是先记录下来你弹奏的声音，然后以固定的速度进行一定程度的重复。而Reverse Delay则是在重复的时候将你这段声音反过来播放，这样你就会有一个做主角的正向弹奏，和一个逆向播放的做配角的Delay声音，能够塑造特别的氛围。副歌的旋律跳进和级进交替使用，「旁白」、「姿态」、「伤害」几个词构成了上行模进的关系，而它们各自又是由上行级进的音符组成的，旋律线慢慢呈现出向上的状态。在《神树》的主歌，唱到「狼藉一片」的时候，「一」使用了Fb作为经过音，处在前后的两个Eb中间，让旋律有了更多的流动感。类似的做法在郭顶的《凄美地》中也有出现，「曾经我是不安河水」中的「不」字也使用了经过的半音进行处理。在《披荆斩棘的哥哥》中，负责唱这一句的言承旭也为此十分苦恼，因为确实比较难找，但少了这个半音又觉得不是那么回事。这个演唱上的细节可能并不容易被捕捉到。从上面对歌曲的拆解能够看得出来，华晨宇的音乐还是有一些亮点的。但他依然处在音乐的探索阶段，作品的优点与缺点一样明显。他知道一些不一样的音乐概念和创作手法，并且也能用在作品里，但掌握得还不够透彻，更像是一个自认为明白了解题思路就急着去作题的学生。他有一定的能力，但还没有到特别强的地步；他可以看着自己有过的积累，一步一步慢慢进步。华晨宇一直以来都在强调乐理的重要性，也看得出来他对作品是有追求的。
而在这种态度下，也有一些粉丝，跟随他的步伐开始摸索乐理，从这方面讲，他也对音乐圈也产生了积极意义。然而问题是，过度的吹捧也或许会让他产生自己已经是流行音乐的王者的错觉，固步自封、止步不前也说不定。
华晨宇曾经评价晓月老板的歌是二十年前的音乐，也觉得毛不易的作曲没有新意。这些观点我也很同意，但问题的关键是，他自己的音乐也并不新鲜。从选秀时期，华晨宇就受到Radiohead、Muse、30 Seconds to the Mars等乐队的影响，但直到今天，他连这些乐队的边都摸不到。他自认为在他的音乐中，天赋和努力的比值是99：1。但在我看来却恰恰相反：他是一个天赋一般，但一直很努力的创作者，在创作的路上，他确实有进步。在这个阶段，不论是华晨宇本人还是粉丝们，都不必去标榜他是如何创新的，因为他并没有真正意义上的创新，而他离那些同类型里优秀的音乐还有遥远而漫长的距离。当然，导致华晨宇的争议如此巨大，与他相当一部分粉丝也离不开关系。尽管华晨宇现在走的是创作歌手的路线，但营销方式更像是个流量艺人。很多人最开始认识他是通过综艺节目、通过他改编别人的歌曲，而不是他自己的歌，这使得他本人的知名度远远高过他的作品。
而他自己的作品总会被粉丝定义成各种各样的风格，有些风格甚至根本不存在，属于粉丝”自创“出来的产物。华晨宇总是反复强调音乐素养，如果他知道粉丝甚至连“节奏蓝调和R＆B”都分不清楚，不知会作何感想。《歌手·当打之年》官宣阵容时，把华晨宇称作是华语乐坛新生代领军人。当时华晨宇也已经出道六七年，但也没有拿过什么颇具含金量的奖项。草东没有派对、ØZI这些已经拿下金曲奖的人比他还年轻，但也没说自己是新生代领军人物，他能不能当新生代领军人，我认为还要打个问号。但他们的问号和我的可能不太一样，他们问的是：华晨宇已经是华语乐坛领军人物了，为什么还说他是新生代？几个意思？在他们心中，周杰伦也不过是过气天王，早已被时代淘汰。如果不是这些低龄而幼稚的操作过多的话，华晨宇也不会引来这么多的讨厌。老实说，一个音乐人的素养，往往是可以从他的粉丝身上看出来的。当粉丝竭力强调着华晨宇的音乐多么高级，多么伟大，风格是多么的多元，恰恰也是在暴露他们内心的恐惧与不安。其实一个音乐人的风格多元，是不需要通过这些字面上的东西来体现的，用听的就好了——而且风格多元也没法和厉害划等号。粉丝们能给华晨宇的歌曲写下洋洋洒洒的小作文，佐证这首歌是多么有内涵。但如果你让他们听更多具有实验色彩的音乐，他们却未必能接受。不要说国外，就算在华语世界，落差草原WWWW、Dolphy Kick Bebop、鸭听天、水门汀……华晨宇并不会把他的粉丝们引流到实验音乐的族群，跟着他去听影响他的摇滚乐队的也是少数。我相信华晨宇在创作上还能走的更远——但他要迈出这一步。不论是对于粉丝，还是对于他本人，唯有正视所有对待这位创作者的声音，才能让他成为更加成熟和优秀的音乐人。
